Junte-se a nós na contagem decrescente da Euronews Culture para o nosso filme favorito do ano. Quantos destes já viu?
2025 começou e termina com a perda de dois titãs do cinema – David Lynch e Rob Reiner – e os meses intermédios trouxeram o avanço ameaçador da IA (ainda sem restrições para a tecnologia favorita de todos); protestos contra genocídios; o co-CEO da Netflix, Ted Sarandos, a afirmar descaradamente que ir ao cinema é "um conceito ultrapassado"; e notícias de monopólios corporativos iminentes que colocam em risco a experiência de ir ao cinema e a forma como experienciamos os filmes.
Se colocarmos tudo isso no contexto da escalada do absurdo fascista, das guerras em curso e dos horrores diários das notícias, é seguro dizer que tem sido difícil não entrar em colapso.
Embora 2025 possa ter sido um ano de grande confusão, é evidente que ir ao cinema continua a ser uma das melhores formas de escapar à loucura. Não se trata de um conceito ultrapassado - encontra-se ameaçado, mas é vital, agora mais do que nunca, não só como entretenimento, mas também como forma de gerar empatia e despertar a curiosidade. Ambas as coisas parecem estar em falta hoje em dia.
Felizmente, foi um ano forte no cinema - de tal forma que selecionar apenas 20 filmes que nos ajudaram a ultrapassar 2025 foi mais difícil do que nunca. Mesmo alguns dos nossos favoritos, como The Ice Tower, Eddington, Drømmer (Dreams), Black Bag (Código Negro), Hedda, The Bibi Files e Reflection in a Dead Diamond (O Brilho do Diamante Secreto), não entraram na seleção final... Foi preciso fazer escolhas.
Como sempre, mantivemos a regra rígida de que os filmes precisavam de ter sido lançados nos cinemas europeus este ano. Isso significa que, mesmo que tenhamos visto filmes como Marty Supreme, The Secret Agent (O Agente Secreto), No Other Choice, Pillion e Hamnet, estes infelizmente estão ausentes, pois só serão lançados em toda a Europa em 2026.
Assim, sem mais demoras, a nossa contagem decrescente para o melhor filme de 2025 começa com...
20) Alpha
Para quem estava à espera de mais um conto de excessos sangrentos do aclamado realizador de Grave (Raw) e do vencedor da Palma de Ouro Titane, Alpha pode ter sido uma desilusão. Em vez de mais um horror corporal, a cineasta francesa Julia Ducournau, com o seu terceiro filme, rasgou mais a alma do que a carne. Seguindo Alpha (Mélissa Boros), uma rapariga de 13 anos que vive num mundo repleto de poeira, ainda a recuperar de uma epidemia devastadora que faz com que os infetados fiquem presos nos seus próprios corpos calcificados, o filme é inegavelmente mais impenetrável do que os célebres antecessores de Ducournau. No entanto, ao explorar a relação entre uma protagonista adolescente e a sua mãe (Golshifteh Farahani) no contexto do reaparecimento do seu tio toxicodependente (Tahar Rahim), Ducournau cria algo verdadeiramente especial. Através do sangramento de duas linhas temporais, estabelece inicialmente uma alegoria sobre a crise da SIDA dos anos 80; esta transforma-se numa meditação lenta e ardente sobre traumas herdados, a aceitação da morte e como o amor incondicional é o único amor pelo qual vale a pena lutar. Alpha pode ser o filme mais divisivo de 2025; pode ser o mais incompreendido; mas é definitivamente uma das suas ofertas mais subestimadas. DM
19) Den Stygge Stesøsteren (A Meia-Irmã Feia)
Esta segura e memorável longa-metragem de estreia da realizadora norueguesa Emilie Blichfeldt reimagina o conto de fadas Cinderela através dos olhos de Elvira (Lea Myren), que fará de tudo para competir com a sua bela meia-irmã Agnes pelos afetos do príncipe. Isto envolve cirurgias horríveis, ténias e alguns cortes nos dedos dos pés, como nos Irmãos Grimm. Por muito tentador que seja estabelecer uma comparação com The Substance (A Substância), de Coralie Fargeat (ambos os filmes se ancoram no movimento de terror feminista da Nouvelle Vague e comentam as expectativas da sociedade em relação aos padrões de beleza através de um horror corporal indutor de contorções e muito humor negro), o filme de Blichfeldt não deve ser eclipsado pelo seu vizinho de género. Trata-se de uma primeira longa-metragem bem formada que anuncia uma nova e ambiciosa voz cinematográfica. DM
18) Affeksjonsverdi (Valor Sentimental)
Quatro anos depois de Renate Reinsve ter ganho a Palma de Melhor Atriz pelo seu desempenho em A Pior Pessoa do Mundo, de Joachim Trier, a dupla norueguesa volta a reunir-se para esta comédia dramática que explora dinâmicas familiares disfuncionais e a possibilidade de reconciliação através da arte. É uma combinação vencedora, sobretudo porque Reinsve é, como sempre, uma presença magnética no ecrã. Ela interpreta uma atriz que seguiu as pegadas artísticas do seu pai ausente. Este último regressa à sua vida com uma proposta (problemática): escreveu um guião autobiográfico e quer que a filha interprete o papel da sua mãe. Tanto Reinsve como Stellan Skarsgård estão perfeitos, com a sua dinâmica no ecrã a reforçar os temas do trauma familiar intergeracional. A única razão pela qual Valor Sentimental não ocupa um lugar mais alto na nossa lista deve-se a alguns desvios excessivos (e por vezes demasiado literais) em relação ao trauma histórico, que prejudicam o cerne do filme, ou seja: a importância da ternura quando confrontada com as verdades complicadas da vida e a vulnerabilidade necessária para que as relações se curem. E embora o desfecho seja previsível, o plano final subtilmente devastador aumenta a ressonância emocional do filme. Continua a ser uma ode comovente à tentativa de dar o melhor de si e como, em alguns casos, a vida e a arte podem convergir para criar algo maior. DM
17) 28 Years Later (28 Anos Depois)
Quase um quarto de século depois de 28 Days Later (28 Dias Depois) ter remodelado o cinema moderno de zombies, Danny Boyle regressa ao mundo do vírus da raiva com uma sequela que se recusa a jogar pelo seguro. 28 Anos Depois, o terceiro da franquia, é feroz, confuso e muitas vezes estimulante - mas é também inesperadamente o mais emocional de sempre. Segue Spike (Alfie Williams, um novo talento excecional), um rapaz de 12 anos criado numa ilha sujeita às marés que se aventura no continente infetado - primeiro com o seu pai durão e necrófago (Aaron Taylor-Johnson), depois sem ele - numa tentativa desesperada de encontrar o Dr. Kelson (Ralph Fiennes), um louco e colecionador de crânios, cuja ajuda pode ser a única esperança de salvar a sua mãe acamada (Jodie Comer). Visualmente, é diferente de tudo o que se tem feito nos últimos anos: filmado sobretudo num estilo hiper-moderno e recortado a um ritmo alucinante, com uma "kill cam" que congela, torce e avança nos momentos de violência como uma versão moderna do bullet time de Matrix. Mas por detrás de todo o espetáculo de sangue e zombies, Boyle e Alex Garland criaram uma história de amadurecimento surpreendentemente terna e profundamente comovente sobre o amor, a perda e a descoberta de ligações num mundo brutal. E, com um dos finais mais intrigantes e genuinamente perturbadores do ano, 28 Anos Mais Tarde deixá-lo-á provavelmente ansioso pelo filme do próximo ano, O Templo dos Ossos. TF
16) Superman
Declarar Superman o melhor blockbuster deste ano pode ser um elogio fraco, considerando a concorrência dececionante de Mission: Impossible - The Final Reckoning (Missão: Impossível - O Ajuste de Contas Final), F1, Jurassic World Rebirth (Mundo Jurássico: Renascimento) e Avatar: Fire And Ash (Avatar: Fogo e Cinzas). Ainda assim, mais do que merece o título, uma vez que este é um reboot que não tem medo de ser divertido, exuberante e disparatado - elementos excluídos das fracassadas interpretações de Zack Snyder sobre o Último Filho de Krypton. James Gunn abraça o espírito da era aparentemente passada dos livros de banda desenhada e dá-nos um Super-Homem (um David Corenswet com um elenco perfeito) pelo qual vale a pena torcer. Esta aventura de ritmo acelerado pode ser exagerada, mas compreende bem como as crias podem ser obstinadas e que um humanitário alienígena para quem "bondade é punk rock" é precisamente a forma de combater a fadiga dos super-heróis. E a retórica odiosa em torno da imigração. DM
15) Die My Love (Mata-te, Amor)
Apesar de a maior parte dos seus eventos se passarem numa quinta rural na América, rodeada de floresta aberta, Die My Love é surpreendentemente claustrofóbico, como o fumo de uma fogueira a sufocar lentamente uma sala. Se isto não parece agradável, é porque não é - a quinta longa-metragem de Lynne Ramsay não é, de modo algum, um filme fácil de ver, mas é extremamente poderoso. Apoiado por imagens animalescas impressionantes e por um desempenho excelente de Jennifer Lawrence, o filme explora a descida de uma jovem mulher à loucura depois de ter um bebé. À semelhança de outras obras de Ramsay, incluindo You Were Never Really Here (Nunca Estiveste Aqui) e Morvern Callar, o trauma manifesta-se em imagens viscerais e poéticas que fervilham e borbulham no ecrã - cativantes e horríveis. Ao contrário de Nightbitch de 2024, é um filme que se atreve a levar os seus temas desconfortáveis aos limites, criando um retrato vívido, sangrento e ardente do tumulto feminino que se situa ao lado de A Woman Under The Influence (Uma Mulher Sob Influência), de John Cassavetes, e de Possession, de Andrzej Żuławski. AB
14) April (Abril)
April, do premiado realizador georgiano Dea Kulumbegashvili, é um filme de que a maioria das pessoas provavelmente nunca ouviu falar, muito menos viu. Tendo estreado no Festival de Veneza em 2024, só foi lançado em cinemas selecionados este ano. Exige também um tipo de público muito particular - um público que esteja disposto a submeter-se a 134 minutos de imagens angustiantes e surrealismo sinuoso, resultando numa das experiências mais audazes e afetantes do cinema contemporâneo. Retrato de uma obstetra problemática chamada Nina (Ia Sukhitashvili), que faz abortos ilegais nas zonas rurais da Geórgia, o filme lança um olhar frio e clínico sobre os estigmas sociais, a desumanização do corpo das mulheres e os sistemas cruéis concebidos para nos verem falhar. Com uma investigação exaustiva e uma análise sem hesitações, a visão ousada e experimental de Kulumbegashvili abraça algo a que o cinema convencional parece cada vez mais adverso: o desconforto. AB
13) Ainda Estou Aqui
Ainda Estou Aqui, de Walter Salles, é um filme de dar um soco no estômago - visceral, devastador e impossível de esquecer. Fernanda Torres tem um desempenho extraordinário como Eunice Paiva, uma dona de casa forçada a reinventar-se como ativista quando o seu marido, o ex-deputado Rubens, é sequestrado durante a ditadura militar dos anos 70 no Brasil. O arranque do filme demora a mergulhar no calor da vida familiar - as risadas, os livros, o vólei de praia e as alegrias do Rio - antes que a sombra da violência política e da incerteza se instale. Com a utilização de película Super-16 e 35mm por Salles, a par de uma banda sonora que mistura Tropicália e uma banda sonora assombrosa de Warren Ellis, Ainda Estou Aqui consegue captar uma dor que é simultaneamente íntima e universal: a dor de não saber, o luto que nunca se resolve completamente. Mas é também um filme sobre a memória - daqueles que amámos, dos momentos que tornaram a vida plena e das tragédias históricas que temos de enfrentar para que não se repitam. Num mundo de desinformação, autoritarismo crescente e perseguição repetida de minorias, este é um filme urgente, assombroso e essencial. TF
12) Frankenstein
Para Guillermo del Toro, tudo começou com Frankenstein. Mais precisamente, com a projeção na televisão da versão de 1931 de James Whale, protagonizada por Boris Karloff. Desde então, o cineasta mexicano tem sido seduzido por histórias de monstros incompreendidos, criando uma filmografia de joias góticas como Crimson Peak e _Pan's Labyrinth (_O Labirinto do Fauno). Agora, finalmente, fez a sua própria versão do romance clássico de Mary Shelley - e, ao contrário da criatura, está longe de ser hediondo. De facto, cada plano parece uma pintura, com o diretor de fotografia Dan Laustsen a fazer com que as cenas nadem numa poção de cores profundas e luz pincelada. Os cenários e os figurinos têm um nível de arte e detalhe raramente visto numa era de imagens geradas por computador; tudo, desde o colar de escaravelhos iridescentes de Lady Elizabeth (Mia Goth) até ao navio de expedição ao Ártico construído de raiz. Embora a história em si adote uma abordagem demasiado literal ao material de origem, continua a ser um relógio mágico que emana capricho e coração. "Ao procurar a vida, criei a morte", lamenta Victor Frankenstein. Ao procurar satisfazer as suas aspirações criativas, del Toro criou uma arte que irá animar inúmeras imaginações - tal como uma versão da história o fez em tempos. AB
11) Bugonia
Depois de a ter colocado numa luta de baronesas (A Favorita), numa fábula fantástica (Pobres Criaturas) e num tríptico subestimado/demente (Histórias de Bondade), Yórgos Lánthimos faz de Emma Stone um objeto de suspeita cósmica no seu primeiro remake - o da comédia de terror de 2003 do realizador sul-coreano Jang Joon-hwan, Save The Green Planet! Ela interpreta Michelle, uma poderosa diretora de uma empresa farmacêutica que é raptada por dois teóricos da conspiração (Jesse Plemons e Aidan Delbis) que acreditam que ela é uma extraterrestre. E eles querem uma confissão. É uma peça de ficção científica tensa e sombriamente engraçada que se revela uma sátira perturbadoramente atual da psique americana contemporânea e uma acusação mais ampla da nossa era moderna. Embora a piada possa ser esperada - especialmente para aqueles que viram o original - o ato final grotesco e impressionantemente triste faz de Bugonia a comédia de 2025. DM
10) O Último Azul
A distopia brasileira O Último Azul, de Gabriel Mascaro, está ao lado de Ainda Estou Aqui, de Walter Salles, e O Agente Secreto, de Kleber Mendonça Filho (escreveremos mais sobre esse no ano que vem), como uma das melhores exportações do cinema brasileiro de 2025. O filme é protagonizado por Denise Weinberg como Tereza, uma mulher idosa que desafia o governo aparentemente benevolente que decretou que as pessoas com mais de 75 anos devem ser enviadas para um centro de alojamento remoto chamado Colónia. Em vez de exagerar na sua mão orwelliana (o aspeto do controlo populacional do regime autoritário poderia ter ficado muito ao género de Soylent Green), o realizador cria um road movie imprevisível que funciona como uma parábola anti-envelhecimento. Tão tocante na sua poesia surrealista como provocador como conto de advertência sobre a marginalização dos idosos, O Último Azul é um grito de alerta oportuno e intemporal. DM
9) Ṣawt Hind Rajab (A Voz de Hind Rajab)
A 29 de janeiro de 2024, Hind Rajab, de cinco anos, fez um pedido de socorro aos serviços de emergência palestinianos. A menina palestiniana estava presa num carro com os cadáveres dos seus familiares, a única sobrevivente de um ataque israelita em Gaza. Implorou por ajuda enquanto os tanques das Forças de Defesa de Israel se aproximavam, com os voluntários do Crescente Vermelho Palestiniano a tentarem acalmá-la e levar uma ambulância até ao local onde se encontrava. Tal como no seu filme nomeado para um Óscar, Quatro Filhas, a realizadora tunisina Kaother Ben Hania funde documentário e reconstituições dramáticas; utiliza as gravações áudio reais do telefonema de Rind Hajab e dramatiza a reação dos trabalhadores de emergência. Ouvimos a crueldade dos acontecimentos reais e vemos uma versão ficcionada da tentativa de resgate. Que falhou, uma vez que foi confirmado e documentado pelo The Washington Post e pelo Euro-Mediterranean Human Rights Monitor que as IDF atingiram o carro com 355 balas e mataram dois paramédicos que vinham em socorro da rapariga. Enfurecedor e urgente, tanto na substância como na forma, A Voz de Hind Rajab ganhou este ano o Leão de Prata em Veneza, e com razão. Apesar de algumas pequenas falhas na forma como lida com algumas questões emocionais, é um documentário que não só mostra as consequências de uma campanha genocida, como também é uma elegia devastadora a uma rapariga inocente a quem foi roubado o direito de viver. DM
**8) Weapons (**A Hora do Mal)
Um ícone cinematográfico nasceu este ano sob a forma da tia Gladys: a bruxa que quebra galhos do conto de fadas distorcido de Zach Cregger. Interpretada com um gosto excêntrico por Amy Madigan, a sua peruca vermelha, batom esbatido e dentes de goma entraram instantaneamente no cânone dos monstros lendários. Mas para além dos disfarces de Halloween e das paródias de TikTok que inspirou, Weapons é um dos horrores mais nítidos, sombrios e divertidos que vimos em muito tempo. O que começa como um mistério de uma pequena cidade sobre 17 crianças que desaparecem subitamente numa noite, transforma-se numa fábula sobrenatural bombástica que subverte todas as expectativas. Repleto de imagens assombrosas, alegorias políticas e absurdo cómico, Cregger manipula magistralmente o tom dentro de uma estrutura de três atos para gerar suspiros a cada passo. Mais do que isso, é um filme em que se encontra um novo significado a cada visualização; teorias que nos mantêm acordados às 2:17 da manhã com uma touca de banho na cabeça (para que ninguém entre e corte algumas das nossas madeixas). AB
7) O Brutalista
O Brutalista é um filme longo - três horas e meia de duração, com um misericordioso intervalo - mas o realizador Brady Corbet faz com que cada minuto conte. Adrien Brody tem um desempenho que define a sua carreira (e ganha um Óscar) como Laszlo, um arquiteto judeu que sobrevive ao Holocausto e se muda para a América do pós-guerra, na esperança de um novo começo com a sua mulher Erzsebet (Felicity Jones). O que começa como uma história de imigração e reinvenção transforma-se numa vasta exploração do trauma, da ambição e das forças invisíveis que moldam as nossas vidas. Laszlo enfrenta tanto obstáculos sistémicos como traições pessoais profundas, desde o mal-humorado cliente Harrison Lee Van Buren (Guy Pearce) até aos muitos desafios de construir uma carreira sem deixar de se agarrar aos seus valores. Uma cinematografia deslumbrante e um design de produção modernista, uma banda sonora estrondosa de Daniel Blumberg e desempenhos coadjuvantes de grande qualidade elevam O Brutalista a algo monumental. Emocionalmente exigente e vesical, sim, mas profundamente gratificante, e um dos filmes mais ambiciosos dos últimos anos. TF
6) Sinners (Pecadores)
Como o resto desta lista prova, foi um ótimo ano para o terror. Na medida em que algumas das nossas escolhas de terror a meio do ano, como Bring Her Back (Volta para Mim), Together (Juntos) e Presence (A Presença), não chegaram ao final do ano. Mas nada deixou uma marca tão grande como Sinners, de Ryan Coogler. A história de dois irmãos gémeos (ambos interpretados por Michael B. Jordan) que usam o dinheiro da máfia para abrir um bar de música na sua cidade natal, Mississippi, durante a era Jim Crow, o filme transforma-se lentamente, de forma subversiva, num pesadelo alimentado por vampiros. É um mal que se agita com os talentos do jovem músico Sammie (Miles Caton), cujos blues ardentes atraem o sugador de sangue Remmick (Jack O'Connell). Uma mistura inovadora de contexto histórico e tropos de género, Sinners não é apenas uma poderosa alegoria à apropriação cultural, mas também uma catarse vertiginosa. Guiado pelo ritmo e pela dor, o filme é dilacerante, com a intensidade emocional dos lamentos de uma corda de guitarra, afundando a sua fúria na nossa pele como uma boca que se alimenta de presas. O cinema não pode ser mais estimulante do que isto! AB
5) Nickel Boys
Nickel Boys, de RaMell Ross, é um dos filmes mais ambiciosos e emocionalmente devastadores dos últimos anos - uma reimaginação arrojada do que o cinema histórico pode ser e sentir. Baseado no romance de Colson Whitehead, vencedor do Prémio Pulitzer, e nos abusos reais na Dozier School for Boys da Flórida, conta a história de Elwood (Ethan Herisse) e Turner (Brandon Wilson), dois adolescentes afro-americanos presos num reformatório violento durante a era Jim Crow. Ross, em colaboração com o diretor de fotografia Jomo Fray, constrói o filme predominantemente na primeira pessoa, reduzindo a distância entre o espetador e o sujeito e obrigando-nos a sentir o medo, a confusão e os fugazes momentos de esperança dos rapazes através dos seus próprios olhos. E em vez de se apoiar na violência gráfica, Ross deixa que a atmosfera, a memória e a ausência façam o trabalho, tornando os horrores ainda mais reais. Elevado por desempenhos poderosos, uma brilhante banda sonora ambiente e um cuidadoso design de som, Nickel Boys é um filme imperdível - o tipo de filme que fica connosco muito depois dos créditos finais. TF
4) It Was Just An Accident (Foi Só um Acidente)
O primeiro filme do cineasta dissidente iraniano Jafar Panahi desde que foi libertado da prisão por "pôr em perigo a segurança nacional" ganhou a Palma de Ouro deste ano. E merecidamente. Foi Só um Acidente acompanha um grupo de antigos prisioneiros políticos que procuram confirmar que o homem que um deles raptou impulsivamente é o sádico que os torturou na prisão. Informado pela própria prisão de Panahi pelo governo iraniano e filmado em segredo para evitar a censura, este drama de reféns é uma obra-prima tonalmente rica e surpreendente. É um thriller cativante que explora as consequências da tortura, o preço da vingança e se a misericórdia é possível. Panahi também injeta magistralmente alguma comédia sombria e até elementos de slapstick para criar uma viagem satírica que critica a repressão da República Islâmica e funciona como um comentário intemporal sobre os pecados do despotismo estatal. O filme também apresenta a cena final mais engenhosa e de cair o queixo de 2025: uma tomada única que utiliza o som com um efeito devastador. Depois de, no ano passado, The Seed of the Sacred Fig (A Semente do Figo Sagrado) e My Favourite Cake (O Meu Bolo Favorito), Foi Só um Acidente volta a recordar-nos que o trabalho notável dos cineastas iranianos não deve ser tomado como garantido pelo público, que tem o privilégio de poder experimentar o trabalho de criativos que literalmente arriscam tudo em prol da sua arte. Exemplo concreto: Panahi pode voltar a ser detido por ter feito este filme. Esperemos que esteja presente nos Óscares do próximo ano, pois o seu filme representará França. Espero que ganhe. DM
3) Sorda (Surda)
Sorda (Surda) é a segunda longa-metragem da cineasta espanhola Eva Libertad. Conta a história de um casal de pessoas com deficiência: uma mulher surda, Ángela (Miriam Garlo), e seu parceiro ouvinte, Héctor (Álvaro Cervantes). Estão à espera de um filho e não sabem se o bebé será surdo ou ouvinte. Cada possibilidade pode afetá-los como casal, como futuros pais e como indivíduos que desejam partilhar as suas perspectivas do mundo. Surda aborda a paternidade e as provações da maternidade e destaca-se pela sua representação do amor. Ao dedicar algum tempo a apresentar ao público um casal amoroso e a sua rede de amigos que o apoiam, Libertad garante que o público está completamente envolvido no bem-estar dos seus protagonistas. O seu filme lida de forma gloriosa com emoções complexas e com o isolamento que decorre da discriminação institucional. Acima de tudo, faz justiça a uma comunidade específica, ao mesmo tempo que consegue fazer com que os seus temas sobre a importância da comunicação e de encontrar a sua comunidade sejam universais. É um daqueles filmes raros que consegue encher o nosso coração, parti-lo e depois voltar a juntá-lo - tudo sem cair no melodrama. Um triunfo. DM
2) Sirāt
Paisagens desérticas, foliões empoeirados e um pai e um filho numa busca para encontrar a filha e a irmã desaparecidas enquanto o mundo à sua volta se desmorona. O filme de Óliver Laxe, vencedor do Prémio do Júri em Cannes, muda-nos; o seu surrealismo abrasador leva-nos numa odisseia espiritual desoladoramente poética. Também desafia quaisquer explicações coerentes, mais como uma atmosfera viscosa e enevoada pela tecnologia que ferve e cresce de formas inesperadas. O que começa como uma viagem de uma família com um grupo de ravers anarquistas rapidamente se transforma num pesadelo sem horizontes, repleto de tumultos políticos e de uma dor explosiva. Numa altura em que o futuro parece mais assustador do que nunca, a abordagem texturizada de Laxe serve como um lembrete da linha ténue entre o desejo e o desespero; as formas como temos de passar por um para chegar ao outro. No entanto, apesar dos seus horrores (o ato final é uma das partes mais tensas do cinema de sempre), há um estranho otimismo no âmago de Sirāt: se conseguirmos continuar a mover-nos através do caos, a esperança permanece. AB
**1) One Battle After Another (**Batalha Atrás de Batalha)
Inspirado no romance contracultural pós-moderno de Thomas Pynchon, "Vineland", a décima longa-metragem de Paul Thomas Anderson responde à pergunta: "E se déssemos a um dos cineastas mais talentosos da sua geração um orçamento digno de um blockbuster e o deixássemos filmar uma mistura de 'O Grande Lebowski' com 'Taken'?"
Centrado num revolucionário desgrenhado (Leonardo DiCaprio) que é forçado a sair da reforma quando um antigo inimigo (Sean Penn) ameaça a sua filha (Chase Infiniti) numa tentativa de reavivar um velho rancor, Batalha Atrás de Batalha é emocionante pelo facto de ser inclassificável. É um thriller paranoico; uma aventura excêntrica de drogados; uma farsa satírica sobre estruturas de poder, radicalização e idealismo; um olhar oportuno sobre a América dividida e os seus excessos supremacistas; um grito de guerra intemporal contra o dogmatismo... Mas, acima de tudo, é uma história sobre um pai de roupão de banho que decidiu abandonar a sua vocação revolucionária pela sua filha. Ele tenta dar o seu melhor para proteger a filha adolescente de herdar o seu passado, tentando deixar um mundo melhor para ela.
Há muito cinema aqui, mas em nenhum momento as rédeas escapam do controlo de Anderson. Os seus esforços são impulsionados por um elenco em grande forma – com destaque para Teyana Taylor e a estreante Chase Infiniti –, bem como pela banda sonora estelar de Jonny Greenwood.
É animador ver que ainda existem estúdios dispostos a conceder liberdade criativa e a financiar um cinema tão ousado e divertido - o que, no papel, pode parecer uma loucura. Por isso, Viva la Revolución, abaixo os Aventureiros de Natal, e que venha a época dos prémios. Apostamos que "Batalha Atrás de Batalha" vai chegar à glória dos Óscares, com os votantes a reconhecerem que este novo clássico merece todos os troféus. DM
Aqui está.
Como é que nos saímos e será que deixámos de fora o seu filme favorito do ano?
Talvez esteja no nosso "relatório intercalar", a lista dos Melhores Filmes de 2025... até agora. Ou talvez esteja na nossa lista dos Melhores Filmes de 2024, uma vez que as datas de estreia variam de território para território.
Se não estiver, diga-nos, e nós iremos ouvi-lo e, com sorte, chegaremos a um consenso. Só não tente dizer-nos que Missão: Impossível - O Ajuste de Contas Final foi um triunfo para a saga ou que O Esquema Fenício estava ao nível dos melhores filmes de Wes Anderson. Vamos rir-nos na sua cara.
Veja também a série O Melhor de 2025 da Euronews Culture, com os Melhores Álbuns do Ano e as Exposições de Arte que marcaram 2025.